miércoles, 6 de mayo de 2015

Electric Boogaloo: un documental de ensueño sobre la Cannon Group



Vengo con este post a intentar saldar una deuda personal: por una cuestión de tiempo me quedó sin publicar la cobertura del entrañable filme Electric Boogaloo: The Wild, Untold Story of Cannon Films (2014) que se proyectó en el último Festival de Cine de Mar del Plata. Sépanlo: este documental del australiano Mark Hartley es un golpe certero a la nostalgia para quienes crecimos durante la década del ’80. Muchas de las películas que evoca las ví en salas de cine y fueron repasadas luego una y otra vez con la llegada del VHS. ¿Quién podía resistirse a las secuelas de El vengador anónimo, con el rústico y no por eso menos maravilloso Charles Bronson, o enfrentar a los pérfidos vietcong de la mano del imbatible Chuck Norris en la saga de Desaparecido en acción? Nunca olvidaré la ovación que se llevó el gran Carlos Ray (Chuck para los amigos) en la primera función tarde del jueves de estreno de la primigenia Desaparecido en acción (que en realidad es la segunda pero se estrenó antes: típica locura a lo Cannon). La película congela épicamente el último fotograma con un victorioso Norris sosteniendo a un prisionero de guerra estadounidense y enfrentando desafiante al gobierno vietnamita que aseguraba que era imposible que aún quedara algún recluso en territorio asiático. Sin siquiera un mínimo resquicio para una lectura política elemental la platea estalló en aplausos y vítores con el triunfo del héroe. Chuck Norris antes y después hizo mejores filmes pero Missing en action supuso su consagración como la figura de acción del momento.


Chuck Norris y Charles Bronson, las figuras de la Cannon más convocantes
 
Tras realizar dos fabulosos filmes rabiosamente cinéfilos como Not Quite Hollywood: The Wild, Untold Story of Ozploitation (2008) y Machete Maidens Unleashed! (2010), también exhibidos en su día en el Festival de Cine de Mar del Plata, en Electric Boogaloo... Hartley desmenuza con rigor crítico lo que fue para la industria fílmica estadounidense el desembarco de los ambiciosos primos israelíes Menahem Golan y Yoram Globus que compraron la Cannon Films en 1979 por 500.000 dólares. El relato es una cabalgata inagotable de anécdotas contadas especialmente para la película por algunos de los actores, directores, guionistas y técnicos que hicieron posible aquellas obras que contempladas hoy parecen de dudosa calidad, pero que en su época eran entretenimientos pochocleros insuperables. Electric Boogaloo… analiza los comienzos en Hollywood, los primeros éxitos y fracasos (Enter the ninja y The Apple, respectivamente), el relanzamiento de la carrera de Charles Bronson en sus últimos años y el asentamiento de Chuck Norris como súper estrella del género de acción con títulos como la trilogía de Desaparecido en acción, Invasión USA, Fuerza Delta y en una vena más cercana a Indiana Jones o Las minas del rey Salomón, El templo del fuego.



La Santísima Trinidad de Chuck y la Cannon: Desaparecido en acción, Fuerza Delta e Invasión USA


También se pone en perspectiva la voracidad comercial de los primos que buscaban incrementar la cantidad de rodajes año a año como si con eso aseguraran la subsistencia del sello. La Cannon siempre fue a más sin importarle los riesgos y fue así como se cavó su propia fosa: endeudados, con filmes mal acabados técnicamente que no rindieron en la taquilla, la sociedad que parecía indestructible llegó a su fin antes de entrar en los 90’s. Electric Boogaloo: The Wild, Untold Story of Cannon Films quizás no sea el mejor trabajo de Mark Hartley –es una pena que ni Golan (fallecido durante la postproducción) ni Globus hayan sido entrevistados, supongo que no aceptaron el convite- pero el tema que trata es una de mis debilidades personales y recomiendo su visión no sólo a quienes saben lo que se van a encontrar sino también a la gente más joven que va a descubrir lo bizarros que eran estos muchachitos cuyo fanatismo por el cine los consumió irrevocablemente. Como complemento y a la vez homenaje a la Cannon en el festival se proyectaron Invasión USA, Halcón y Salsa picante. No están entre lo más rutilante de su producción pero igual se agradece el gesto… 

                                           Trailer del documental de Mark Hartley

miércoles, 29 de abril de 2015

Emoción a flor de piel en Atari: Game over



Dicen que no es bueno vivir anclado en el ayer. Esa tendencia a querer revisitar viejas épocas -amparados quizás en aquella máxima que asevera que “todo tiempo pasado fue mejor”- encuentra un terreno más que fértil entre los nostálgicos inveterados que se la pasan mirando para atrás entre suspiros por lo que ya no está, y resignación por las malas vibras que proyecta un presente que jamás estará a la altura de tantas expectativas. Cualquier cosa puede ser objeto del deseo para un nostálgico: llámese cine, música, literatura, videojuegos,  etc. Hace poco se conoció un documental -asequible en Netflix aunque como alternativa también se puede bajar de internet- sobre lo ocurrido con el videogame de la película E.T. El Extraterrestre que tras fracasar comercialmente durante muchos años fue señalado como uno, sino el mayor responsable, de llevar a la quiebra a la mítica empresa Atari. Detrás y delante de cámaras se ubica un laburante del cine, el habitualmente guionista y en ocasiones director Zak Penn (responsable de adaptar unos cuantos cómics a la pantalla grande: Hulk y los X-Men, entre ellos) quien cuenta con otro documental interesante como antecedente: Incident at Loch Ness (2006). Financiada por Microsoft, Atari: Game over (2014) es el manifiesto de amor de un Penn tan entusiasta por el tema como algunos de los personajes que van desfilando a lo largos de los concisos 66 minutos que dura la obra. Veamos por qué es recomendable tan atípico proyecto.


40 dólares costaba el cartucho de E.T.


La pasión es el combustible que nos mueve a los seres humanos. También lo hacemos por inercia, seguro, pero ¿cuánta más convicción transmitimos si nos apasiona la actividad que estamos realizando? No hay punto de comparación. Es evidente que Atari: Game over fue hecha sin pretensiones comerciales, se sobreentiende que la idea no era lucrar con un producto que tampoco es de impacto masivo y apunta específicamente a un target de cierta edad aunque tampoco hay que descartar la presencia de las nuevas generaciones. Quienes tal vez no vivieron el momento histórico que refleja la película pero son del palo y demuestran su afición en muchos de los testimonios que recogió Penn. En lo personal debo confesar que nunca fui un voraz consumidor de los juegos de videos. Recuerdo que me prendía de cuando en cuando con las máquinas de Arcade; luego descubrí y me divertí con la novedad del ColecoVision durante un par de temporadas pero al promediar el secundario mi experiencia como gamer prácticamente había llegado a su fin. Las computadoras me parecían algo de otra galaxia y mi conocimiento de las mismas se limitaba a reconocer su existencia. Tras ver Juegos de guerra en el verano de 1984 también me quedó claro que podían convertirse en un arma mortal… y en un material fílmico de primera clase. Por cierto WarGames, del subvalorado maestro John Badham, es un thriller portentoso muy logrado y que expone maravillosamente la época en que fue rodada. De ese mismo período data la serie Los chicos de la computadora (Whiz kids), otro título de culto que más de uno evocará con una sonrisa. Y eso por no mencionar a Tron o El último guerrero espacial que por ese entonces fueron vanguardistas en su tratamiento visual y el desarrollo de los efectos visuales por computadora. Pero basta de dispersión, a la conclusión que quería arribar es que no soy probablemente el espectador que tenía en mente Penn al plasmar su documental; y sin embargo, y aquí hay un mérito suyo enorme, logró emocionarme como al geek más entendido y fanatizado. La clave de Penn reside en el exitoso proceso de involucrar al público con la gesta que lo impulsa: la búsqueda en un basural de gigantescas proporciones de un enorme lote de cartuchos del juego de E.T., que fueron allí enterrados como si se tratara de un pecado que había que ocultar de la atención pública y sepultarlos lejos de todo. Para llevar adelante semejante misión Penn se rodea de especialistas que incluye a ingenieros, diseñadores de videos (no podía faltar Howard Scott Warshaw, el creador del mentado y “maldito” juego), ex empleados y ejecutivos de Atari y empresas rivales, y fans acérrimos que se enteran de la movida y se trasladan hasta la locación de Nuevo México donde consideran que Atari enterró a E.T. para brindar lo que podría denominarse apoyo moral. Hasta el intendente de la ciudad da el visto bueno para que Penn y su equipo se aboquen a la búsqueda de esta suerte de Santo Grial para los gamers de los 80’s. No cuento si lo consiguen o no, sólo que el final es inmensamente emotivo como jamás creí posible en una narración de este tipo.


Zak Penn, otro nostálgico irredimible...


Si bien el hecho puntual que inspira a Penn es la excavación en pos de los cartuchos de E.T., no por eso el hombre se desentiende de los rudimentos básicos de todo buen documental y se ocupa de darle un contexto a su obsesión. Por eso hay un adecuado desarrollo de cómo surge Atari, su pináculo y decadencia, con entrevistas a la gente del medio que fueron testigos de los inicios, de los primeros triunfos, del furor comercial a principios de 1980 y el lento declive cuyo epicentro muchos asocian justamente con el fiasco que representó el juego de E.T. Uno de los atractivos que le encuentro a la película es la intriga que plantea la premisa: ¿se trata de una leyenda urbana, un simple mito transmitido de boca en boca, o acaso la existencia del lote enterrado tiene algún viso de realidad? En este punto vale una aclaración: aquí se habla de Atari pero lejos está Penn de querer suscribir la versión definitiva sobre la misma. Insisto, detrás de todo hay un misterio que durante lustros mantuvo a toda una legión de fans enfrascada en debates eternos y que gracias a la impresionante tarea de Penn por fin encuentra un cierre a tanta especulación y teoría conspirativa. Seguramente Atari: Game over no es un gran documental pero sí uno con el que podemos identificarnos y disfrutar como hijos de la cultura popular que somos.


Trailer de Atari: Game over

sábado, 23 de marzo de 2013

Lucha desigual: Ripley vs. la sordomuda

Ya sé que no es políticamente correcto de mi parte pero sigo resentido con la Academia de Artes y Ciencias de Hollywood que en 1987 despojó a Sigourney Weaver de un merecidísimo Oscar favoreciendo en cambio a una "actriz" con la que nadie hubiese podido competir abiertamente por su condición de sordomuda. El sólo hecho de incluir a Marlee Matlin en la terna invalidaba automáticamente a las otras intérpretes. Hubiese sido preferible otorgarle un Oscar especial por su trabajo en Te amaré en silencio (Children of a Lesser God, Randa Haines) antes que poner a Sissy Spacek (Crímenes de pasión), Jane Fonda (A la mañana siguiente), Kathleen Turner (Peggy Sue, su pasado la espera) y la Weaver (Aliens, el regreso) en el incómodo rol de partenaires de un premio que todo el mundo sabía era imposible que no se le entregara a Matlin una vez nominada. Las actuaciones femeninas de este período dejaron bastante que desear y visto en retrospectiva me queda claro que ese debió ser el año consagratorio para la altísima actriz de la saga Alien que de la mano de James Cameron se entregó con alma y vida a su papel de la Teniente Ellen Ripley en la que posiblementente sea la mejor secuela de la historia del cine.  Nunca antes una mujer había manifestado con tanta fuerza y credibilidad la dualidad de soldado duro con los instintos maternales que demostró el personaje en esta obra maestra con la que el director de Avatar confirmaba que el virtuosismo exhibido en la realización de Terminator no era casualidad. Lástima que por unos cuantos imbéciles no se hizo justicia con la actriz que llevó a cabo uno de los roles más importantes adjudicados jamás a una mujer. Una de esas decisiones caprichosas e imperdonables que el paso de los años sólo logrará acentuar cada vez más.


¿El robo más grande en la historia de los Oscar? Quizás...

Estaba tan arreglado el Oscar a Matlin que la terna fue anunciada por su compañero de Te amaré en silencio, el borrachín William Hurt (viejo "amigo" de Jorge Lanata en su visita al país para rodar La Peste de Luis Puenzo). Dicen las malas lenguas que Hurt y la chica sostuvieron un romance pero... ¿a quién carajo le importa? Así como en la edición previa Norma Aleandro "casualmente" fue escogida para entregar la estatuilla a la película extranjera, que resultó ser La Historia Oficial, sucedió otro tanto con Hurt como pueden ver en el video más abajo (prueba del delito irrefutable). Abominable y me quedo corto...


lunes, 4 de marzo de 2013

El Napoleón de Kubrick en manos de Spielberg

Napoleon fue un mega proyecto de Stanley Kubrick que abarcó la década del 60 y parte del 70 para finalmente quedar trunco después de que la Warner le retirara el visto bueno tras observar como fracasaba estrepitosamente el filme bélico Waterloo (Sergei Bondarchuk, 1971), pese a la experta producción de Dino de Laurentiis. El trabajo de investigación reunido por Kubrick a lo largo de unos pocos años era tan vasto y meticuloso como se podía esperar del obsesivo creador de La Naranja Mecánica e incluía 18.000 libros, 15.000 imágenes y sabe Dios cuántas horas de grabación con testimonios de especialistas sobre la campaña del militar francés nacido en Córcega en 1769 y fallecido en 1821 en la isla de Santa Elena. El tema tiene tanta tela para cortar que en 2008 se publicó Stanley Kubrick's Napoleon. The Greatest Movie Never Made, un ambicioso libro de edición limitada que recopila prácticamente todo el material existente gracias a la enorme pasión manifestada por la editora Alison Castle (una fanática enferma del realizador fallecido en 1999). Entre la imposiblidad de utilizar los lugares donde acontecieron los hechos históricos de la vida de Napoleón Bonaparte, las extremas especificaciones de cámara e iluminación pretendidas por Kubrick (quería que la imagen fuera plana, sin apenas profundidad de campo, como en los cuadros de comienzos del siglo XIX) y la compleja logística de una producción de semejante envergadura, fueron pasando los años sin poder concretar un acuerdo económico con ningún estudio: MGM, United Artists y por último Warner Brothers le fueron dando la espalda. No obstante, la estética y el tratamiento visual que desarrollaron Kubrick y el prodigioso director de fotografía John Alcott pudieron ser aplicados en Barry Lyndon (1975) que transcurre en una época similar y que aún habiendo ganado varios Oscar de la Academia (entre ellos Mejor Fotografía) hasta el día de hoy se la sigue considerando como una obra menor dentro de la filmografía del excéntrico cineasta.

El genial Stanley Kubrick durante el rodaje de Barry Lyndon (1975)

Los 10 tomos del impresionante libro The Greatest Movie Never Made


La noticia que viene ahora a patear el tablero proviene de Hollywood y de la mano de Steven Spielberg, un admirador del arte de Kubrick que ya hizo propio un proyecto iniciado por su colega: ¿recuerdan I.A.: Inteligencia Artificial (2001)? Spielberg ha declarado que llevará a la pantalla chica el guión de Napoleon escrito por Kubrick. La idea es adaptarlo en una miniserie que permita profundizar todo lo necesario en una biografía tan rica como fascinante. Aunque los artistas no se pueden comparar y es hasta dudoso que el mismo Spielberg la dirija por lo menos se le podrá hacer justicia al tremendo esfuerzo volcado por Kubrick que para llevar a cabo su investigación contrató a un profesor de Oxford y a una docena de colaboradores para asistirlo. Habrá que ver si se concreta o si se mantiene incólume su perfil de proyecto maldito... 

Para los cinéfilos curiosos he aquí un video donde se exhibe con detenimiento el contenido del libro editado por Taschen en 2008:

lunes, 25 de febrero de 2013

Mentiras que matan: sátira política y un slogan brillante

La indiscreción de Bill Clinton con la becaria Monica Lewinsky a mediados de los años 90 provocó un escándalo mediático sin fin en los EE.UU. Pese a los 15 años transcurridos la anécdota todavía hoy sobrevive y se la recuerda con una sonrisita burlona (como si estuviéramos exentos de pisar el palito alguna vez en la vida). Una película que quizás nunca hubiera visto la luz de no concretarse este hecho puntual es la formidable sátira política Mentiras que matan (Wag the Dog, 1997), realizada por Barry Levinson en base a un sensacional guión del dramaturgo y cineasta David Mamet. Dustin Hoffman -en un papel a la altura de su leyenda como actor- interpretaba a Stanley Motss, un poderosísimo productor de Hollywood convocado por un asesor de la Casa Blanca para tapar el adulterio del presidente con noticias apócrifas que daban cuenta de una guerra con Albania. Robert De Niro, por su parte, era ese siniestro personaje dispuesto a todo para encubrir los líos de faldas del primer mandatario. Si para ello había que llevar la mentira a un extremo inconcebible pues así se hacía. Evidentemente los muchachos habían estudiado a Goebbels, el ministro de propaganda de Hitler, cuya frase "Una mentira repetida mil veces se convierte en una realidad" no ha perdido actualidad. Entre el cinismo feroz de Mamet, la sensatez de Levinson para no estropear un proyecto mucho más sólido que los que solía encarar por esa época, y la excelencia actoral de un elenco riquísimo Mentiras que matan llevó al género a un apogeo superando con creces a Colores Primarios (Primary Colors, Mike Nichols), filme rodado poco después que criticaba al gobierno demócrata de ese entonces (John Travolta era un símil Clinton y Emma Thompson una réplica de su esposa Hillary). ¿Curiosamente?, una década y media después Argo volvió a poner sobre el tapete las relaciones secretas de Hollywood con la política y los gobiernos de turno. Para darle un mayor impacto la campaña publicitaria de Mentiras que matan nos legó para la posteridad un slogan que comparto ahora con Uds.:



El genial slogan de Mentiras que matan (1997)


Mentiras que matan, estrenada en la Argentina el 28 de mayo de 1998, era una película tan coherente que hasta el slogan estaba a tono con un trabajo de guión brillante, quizás inigualable. Quién no la vio o no la conoce puede empezar a rastrearla...

sábado, 26 de enero de 2013

El Grito Wilhelm: un efecto sonoro que no pasa de moda



En cada rubro del cine podemos detectar particularidades que pasan desapercibidas para la gente ajena al ambiente. Una de ellas es el efecto sonoro bautizado como The Wilhelm Scream (El Grito Wilhelm), que ha sido utilizado por una enorme cantidad de editores desde su creación a comienzos de los años 50. La historia detrás de este efecto, a esta altura un chiste interno para los profesionales del séptimo arte, tiene su origen en los estudios Warner en 1951. Fue el ingeniero de sonido Oliver S. Garretson quien ordenó se grabe a un actor -para algunas fuentes fue el cantante Sheb Wooley-  profiriendo diversos gritos con la intención de insertarlos en la postproducción del western de Raoul Walsh Distant Drums (1951). Al parecer fueron seis los gritos registrados por los técnicos y al paquete completo se lo denominó Hombre siendo mordido por un caimán y luego grita. El 5º efecto es el que mucho tiempo después se conocería como El Grito Whilhelm. Terminada la película el alarido (ver el video al pie de la nota) pasó a integrar la biblioteca de sonido de la Warner. A partir de The Charge at Feather River (Gordon Douglas, 1953), cualquier editor al servicio del estudio empezó a acudir a este archivo sonoro para darle un mayor impacto a la escena que lo requiriera. Una de las primeras “víctimas” fue un jinete que en el guión respondía al nombre de Wilhelm. El efecto se popularizó de tal manera que para la década del 70 ya se podían contar por decenas las películas que echaron mano de él… y eso sin contar las series de televisión y los dibujos animados. Títulos como Them! (Gordon Douglas, 1954); Nace una estrella (George Cukor, 1954); Tierra de Faraones (Howard Hawks, 1955); The Sea Chase (John Farrow, 1955); Helena de Troya (Robert Wise, 1956); El Capitán Búfalo (John Ford, 1960); PT 109 (Leslie H. Martinson, 1963);  Los Boinas Verdes (John Wayne y Ray Kellogg, 1968); La Pandilla Salvaje (Sam Peckinpah, 1969) y la lista continúa ad infinitum. 

El Grito Whilhelm debutó en este film con Gary Cooper


Fue Ben Burtt, el premiadísimo diseñador de sonido de LucasFilms Ltd., el primero en rendirle homenaje aislándolo de la pista sonora de Nace una Estrella, dándole el nombre con el que se lo conoce hasta el día de hoy e incluyéndolo en su tesis para egresar de la University of Southern California. Tiempo después, cuando se encontraba trabajando para Star Wars: Episodio IV (1977), revolviendo en los archivos de los estudios encontró en la Warner el master del efecto. Desde entonces Burtt introdujo el Grito Wilhelm en todas y cada una de las producciones en las que fue contratado. Estamos hablando de algunas de las sagas más importantes de la historia del cine: en particular la trilogía inicial de Star Wars y todas las películas de Indiana Jones. También fue usufructuado por muchas otras producciones de George Lucas como Howard, el Superhéroe (Willard Huyck, 1986) y Willow (Ron Howard, 1988). Su amigo Steven Spielberg lo usó en una de sus obras más subvaloradas: Siempre (1989). Otros colegas de Burtt siguieron su ejemplo en la década del 80 en filmes como The Big Brawl (Robert Clouse, 1981); La loca Historia del Mundo (Mel Brooks, 1981); Swamp Thing (Wes Craven, 1982); Poltergeist: Juegos diábólicos (Tobe Hooper, 1982) o S.O.S. Vecinos al Ataque (Joe Dante, 1989). En los 90 la cantidad de películas que acudieron al Grito Whilhelm no mermó y podemos mencionar entre ellas a Gremlins 2 (Joe Dante, 1990); La Bella y la Bestia (Wise & Trousdale, 1991); Aladdin (Clements 6 Musker, 1992); Batman vuelve (Tim Burton, 1992); Perros de la Calle (Quentin Tarantino, 1992); Matinee (Joe Dante, 1993); Toy Story (John Lasseter, 1995); Duro de matar: La Venganza (John McTiernan, 1995); El Quinto Elemento (Luc Besson, 1997); Pequeños Guerreros (Joe Dante, 1998) y Arma mortal 4 (Richard Donner, 1998). Desconozco la cifra exacta pero hasta hace unos años se podía comprobar la presencia del Grito Wilhelm en al menos dos centenares y medio de producciones. Algunas de las más recientes son: El Hombre Araña (Sam Raimi, 2002); El Señor de los Anillos: Las Dos Torres (Peter Jackson, 2002), El Señor de los Anillos: El Retorno del Rey (Peter Jackson, 2003); Kill Bill Vol. 1 (Quentin Tarantino, 2003); Piratas del Caribe: La Maldición del Perla Negra (Gore Verbinski, 2003); Hellboy (Guillermo del Toro, 2004); Troya (Wolfang Petersen, 2004); La Ciudad del Pecado (Robert Rodriguez y Frank Miller, 2005); King Kong (Peter Jackson, 2005); Cars (John Lasseter y Joe Ranft, 2006); Shrek Tercero (Chris Miller y Raman Hui, 2007) y Kung Fu Panda (Mark Osborne y John Stevenson, 2008); Sucker Punch: Mundo surreal (Zack Snyder, 2011) o El Hobbit: Un Viaje inesperado (Peter Jackson, 2012). Y créanme que me quedo corto...

En Wikipedia se puede consultar un listado más exhaustivo de las películas que acudieron a este efecto.

domingo, 20 de enero de 2013

¿Darth Schwarzenegger o Arnold Vader?

Si existe algo que me puede hacer descostillar de la risa son los clips editados por fanáticos del cine: algún freak, como vos o como yo pero con mucho más tiempo al dope, extrae del video la voz original de un actor para insertar otra con fines humorísticos. Recordemos la famosa escena de La Caída (Der Untergang, 2004) en la que Hitler (Bruno Ganz) explota de furia ante la casi muda presencia de sus lugartenientes. ¿Cuántos videos explotaron esta memorable actuación de Ganz para desarrollar cualquier tópico? ¿Decenas, cientos quizás? La última novedad es un fandub que utiliza pequeños momentos de la trilogía original de Star Wars sustituyendo la cavernosa voz de James Earl Jones en el rol de Darth Vader por la no menos reconocible de Arnold Schwarzenegger. Los diálogos del ex Governator pertenecen a filmes como El Regalo prometido (Jingle All the Way, 1996), Un Detective en el Kinder (Kindergarten Cop, 1990), Terminator 2: el Día del Juicio (Terminator 2: Judgment Day, 1992) y El Día Final (End of Days, 1999), entre otros. El trabajo no es de los más graciosos que he visto pero en virtud de que el próximo jueves se estrena El Último Desafío (The Last Stand, 2013), la primera película en serio del austríaco en muchísimos años, creo que el clip puede funcionar como un simpático aperitivo para el plato fuerte que nos tiene preparado el genial realizador surcoreano Jee-woon Kim en su debut hollywoodense. Mientras aguardamos que llegue el estreno con las clásicas one-liners que son su marca registrada los invito a compartir el breve videíto con Darth Schwarzenegger... ¿o prefieren Arnold Vader?

¡Bienvenido, Arnie!